Bailarinas

UN PROYECTO DE TRANSMISIÓN DE SONIA GÓMEZ CON INVITADOS

1 LAS INTENCIONES.
En Bailarinas invito a otros intérpretes y creadores a hacer versiones del solo Bailarina.
En el último año, dentro del proceso de investigación-creación del solo Bailarina, me he preguntado cómo hacer un espectáculo de danza hoy, desde los contenidos creativos, la interpretación y la relación con el público. Bailarina explora de manera personal, simple y minimalista cómo hacer un espectáculo con un solo intérprete, prescindiendo de un equipo, escenografía, diseño de luces o un suelo especial.
La pieza es un recorrido detallado por la interpretación, la construcción de un espectáculo y la proximidad con el público, el resultado es un unplugged escénico bailado.

En Bailarinas quiero contrastar estos conceptos y hacer de nuevo el solo Bailarina, un espectáculo que conozco bien y al que le profeso cierto estatus de magnificencia, pero que me genera muchas preguntas. Es una propuesta cargada de ironía porque pretende convertir un modesto solo en un espectáculo de repertorio, es lo que ocurre con las grandes obras, se hacen versiones, se actualizan y en cierto modo se destruye el original. Bailarina no es una gran obra, ni mucho menos, pero persigue cierto anhelo de utopía que la hace arriesgada y peligrosa.

En el proyecto Bailarinas de transmisión-creación los colaboradores codifican el solo Bailarina con sus recursos, trucos escénicos, hallazgos y referentes, con los conceptos y las reglas del solo, desde su origen hasta los propósitos que tenían en el momento de la creación.

Los invitados son: Idurre Azkue, Javier Cuevas y Amalia Fernández.

BAILARINA DÚO
En la versión de Idurre Azkue, nos ocupamos del concepto del doble y el desdoblamiento, fundirse en el otro a través del contagio y la súper posición de planos.

idea Sonia Gómez interpretación Idurre Azkue y Sonia Gómez sugerencias musicales David Cauquil edición sonido Manu Léonard foto Urtzi Mardaras producción MOM-El Vivero/Sonia Gómez – Marta Oliveres Coproducción Festival TNT-Terrassa Noves Tendències/CAET y MOM-El Vivero/Sonia Gómez – Marta Oliveres
. Proyecto en residencia en el Graner, Barcelona y en Alhóndiga, Bilbao. Estreno 12FEB 2015. Alhóndiga. Bilbao.

vídeo: https://vimeo.com/122882538


BAILARINA LÍRICA
Javier Cuevas
crea un paisaje sonoro, el flujo performativo entre la danza y el sonido. Compone ocho canciones, las canta y las doma suave suave.

Canciones sin estilo ni época, canciones que quieren ser grandes y que fantasean con albergar una historia.
El cantante se mueve y de moverse, canta.
 El performer canta y de cantar, se mueve.
 Es un concierto-performance que combina voz, cuerpo, música pregrabada y sonidos generados en directo. 
Una pieza construida en el detalle de la fuerza emotiva y movilizadora per se de la canción como estructura simple, como narrativa, como principio y como contexto para lo que sucede entre el intérprete y el público.

idea original Sonia Gómez interpretación y composición musical Javier Cuevas estudio de grabación Jonás Superestereo vestuario Amuhaici Luis / Espacio A producción MOM-El Vivero – Marta Oliveres coproducción Auditorio Adán Martín de Tenerife. proyecto en residencia en Graner (Barcelona), en Eilertsen&Granados Teater (Stamsund, Noruega) y en Auditorio Adán Martín de Tenerife.
Estreno 23OCT 2015 Auditorio Adán Martín, Tenerife.

+ info
Entrevista Sonia Gómez y Javier Cuevas, Graner mayo 2015: https://vimeo.com/127226930


BAILARINA III
Amalia Fernández dirige el solo, aquí se dividen las tareas y se definen los roles, sin mezclarse, Sonia hace de intérprete de su propia pieza y Amalia, como directora, asume la responsabilidad del resultado.

Parten de una idea simple: Mejorar el solo Bailarina. La pieza tiene problemas, sí, no, unos cuantos, quizás le exigen al espectáculo más de lo que puede dar de si. A Sonia le gusta que los espectadores miren a una mujer que baila, ni bien ni mal, que va contando cosas, muy pocas, que parece que está tranquila haciendo eso, que disfruta, pero sin pasarse, que lo pasa mal, pero no demasiado, que hace gracia, pero no mucha. Sonia interpreta el material original, insiste en ello y con Amalia toma la distancia necesaria para re-interpretar las ocho pautas de movimiento.

Sonia confía en Amalia, se apoya en ella, le hace caso, prueba, acierta o erra, hasta dónde llegue su capacidad como intérprete. Amalia es Amalia y también es intérprete, la vemos trabajando, aportando su saber, su ojo crítico, sus emociones, sus palabras. Así, las dos, entre construcción y destrucción van haciendo y enseñando, parando y siguiendo, fijando, moviendo escenas, tirando esto, poniendo aquello, maquillando, desnudando y más -andos hasta que consiguen montar la nueva versión.

concepto e idea original Sonia Gómez dirección Amalia Fernández producción MOM-El Vivero/Sonia Gómez – Marta Oliveres coproducción 4mil pasos y Casa Encendida. Residencia en el Graner.
Estreno 14NOV2015 Casa Encendida, Madrid.

vídeo: https://vimeo.com/147736908

 

2 LOS EJES DE TRABAJO EN BAILARINA COMO PUNTO DE PARTIDA PARA EL PROYECTO BAILARINAS.

En Bailarina el movimiento es el protagonista absoluto y todo gira alrededor del deseo de moverse. Era algo que Sonia Gómez tenía pendiente desde siempre, tomarse el tiempo para descubrir cómo danzar sin los recursos autobiográficos y teatrales que llevaba utilizando en los últimos diez años.

El espectáculo tiene una puesta en escena muy sencilla para que podamos ver al intérprete lo más natural y directo posible.

La pieza está pensada para bailar en espacios inesperados, precisos, preciosos, que  transmitan placer y empatía al intérprete y al espectador.

Me alegro de que Bailarina sea tan emocionante, tan Sonia Gómez sin, aparentemente ya, pretenderlo y, a la vez, tan inesperado. Me alegro de que aún me siga sorprendiendo. Rubén Ramos,Teatron. 02/OCT2014
http://www.tea-tron.com/rubenramos/blog/2014/10/02/notas-que-patinan-56-solo-espero-que-os-hagais-una-idea/

El delicado y tierno solo de danza de Sonia Gómez, BailarinaSanti Fondevila diari Ara.cat. 02/OCT2014
http://www.ara.cat/premium/cultura/diferent-festival-Terrassa-Noves-Tendencies_0_1222677738.html

Bailarina es una coreografía con ocho pautas de movimiento dentro de una secuencia que se repite seis veces. Las pautas son abstractas y no existe relación predeterminada entre ellas. Son ocho bloques independientes de movimiento durable llamado comúnmente escenas:

1. Andas como un pingüino.
2. Te mueves de manera interesante.
3. Vuelas.
4. Encuentras algunas posiciones cómodas.
5. No sabes decir la palabra imperecedero.
6. Eres un Phoenicopteriforme rosa.
7. Te quedas pasmada mirando un objeto muy pequeño.
8. Y un  Epílogo con tres bailes:  el baile Eléctrico, el baile Antártico y el baile Apocalíptico Feliz. 

CÓMO SE HA HECHO BAILARINA.
1. El prefijo auto como por ejemplo, autonomía, auto-empleo, auto-placer, auto-producción o autosugestión.
2. La investigación en el movimiento, el baile, los movimientos micro, el estado y el uso del espacio.
3. Unas reglas para el intérprete, el espectáculo y el público. 

1. EL PREFIJO AUTO.
Auto es una postura, reivindica la posibilidad de realizar un proyecto a pesar de las circunstancias.
Hagamos una prueba, añadimos auto a las palabras clave para hacer un espectáculo: auto-empleo, auto-creación, autosugestión, auto-dirección, auto-producción y auto-programación.
Estos preceptos han originado la práctica, el sistema para optimizar los recursos existentes y para desestimar aquellas soluciones que no se ceñían a las reglas del proyecto y a la realidad. 

Yo soy yo y mi circunstancia, y si no la salvo a ella no me salvo yo.
(Meditaciones del Quijote, 1914) José Ortega y Gasset, filósofo y ensayista.

2. LAS PESQUISAS EN EL MOVIMIENTO, EL BAILE, LOS MOVIMIENTOS MICRO, EL ESTADO Y EL USO DEL ESPACIO. 

- El movimiento y el baile
Para bailar este proyecto es muy importante el estado y cómo el cuerpo se hace dramatúrgico, intuitivo, semiinconsciente, post-algo. El cuerpo es el protagonista absoluto, como única herramienta, casi sin elementos externos. El cuerpo hoy, después de tantos años de representación y cuestionamientos sobre el cuerpo performativo que baila. El cuerpo eterno, el de siempre, tan actual y antiguo como la historia de la humanidad.

Los etruscos danzan hasta con las yemas de los dedos en una danza que surge de dentro, como una corriente en la mar. Es como si los recorriera la corriente de alguna clase de vida fuerte y distinta, distinta de la corriente de aguas poco profundas de la actualidad; es como si sacaran su vitalidad de unas profundidades a las que nosotros no llegamos. Detrás de esa danzas había una visión, e incluso una ciencia de la vida, una concepción del universo y del puesto del hombre en el universo que permitían a los hombres vivir hasta el fondo de su capacidad. (Título Original: Etruscan Places) D.H. Lawrence (1885-1930).

- Los Movimientos micro en manos, dedos, boca, lengua, orejas, pies, rodillas, codos, hombros, cintura, columna, dientes, uñas etc. Y desde dentro: células, huesos, fluidos, membranas, músculos y cartílagos. Cada uno de ellos busca los pequeños movimientos coordinados por diferentes tiempos y ritmos dentro de secuencias de repetición, vibración y cadencias que mueven las líneas, el trazo, las curvas y las ondulaciones. Combinándolo con las paradas, las formas, las metáforas, las anatomías no asociadas, las anatomías bellas y feas, las anatomías imposibles, las anatomías desagradables o extrañas y las anatomías individuales. Los movimientos distorsionados y armónicos producen ilusiones ópticas en el observador.

- El estado
Relación entre lo consciente y lo inconsciente llamado inspiración del momento. Es decir, por un lado tenemos la interpretación mecánica-natural y la interpretación creativa-natural. La interpretación mecánica-natural es la que representa el guión, las pautas y el tiempo escénico, es decir, sigue a pie juntillas el espectáculo. La interpretación creativa-natural es la relación entre ese espectáculo pautado y el tiempo presente, es ahí donde el intérprete ajusta el estado y la interpretación teniendo en cuenta la sintonía del momento. El resultado es una interpretación muy natural, casi una no representación.

- El uso del espacio
En este proyecto es imprescindible que el público vea al intérprete desde muy cerca ya que los materiales están pensados para ese fin. Por tanto, es muy importante en qué lugar se hace la pieza para que las perspectivas, las sutilezas de los contenidos y la fragilidad de la propuesta no se vean alteradas. El espectáculo distribuye las escenas equitativamente en el espacio y el tiempo para que todos los espectadores vean al intérprete desde cerca, a cierta distancia y con la multiplicidad de planos que implica la representación en 360º. 

3. LAS REGLAS PARA EL INTÉRPRETE, EL ESPECTÁCULO Y EL PÚBLICO.

- El intérprete
1. Cosas que le gustan y cosas que le asustan.
2. Qué sabe hacer sin la ayuda de otros.
3. Ajustarse a lo realmente necesario.
4. Optimizar los recursos y el empleo del tiempo.
5. Dejar que las ideas vengan, vayan, se alejen y cobren distintas formas.
6. Entrenar e investigar cada día.
7. Ser honesto y sincero con uno mismo.
8. Encontrar el tipo de actuación (movimiento, palabra, acción etc) que lo lleva a un estado que le deja estar y al espectador mirar.
9. Imaginar una pieza ideal, como un traje hecho a medida.
10. La presencia del público no afecta al intérprete.

- Interpretar, estar en escena, la experiencia
Manejar esa sutil distancia entre el que está actuando y el observador.  El intérprete está cómodo, comparte lo aprendido durante años actuando, para ello se apoya en la química, separa las sustancias volátiles de otras más fijas para llevarlas a una puesta en escena extremadamente sencilla. No hay nada espectacular, nada artificial, aunque sigue habiendo cierta pose, superficialidad y cálculo, elementos tan propios de la representación, pero que aquí se muestran con naturalidad. Todo es natural, ni demasiado, ni demasiado poco, el menos es más de las virtudes de un intérprete vistas desde muy cerca. El intérprete lleva al límite la representación desde una interpretación sutil y extremadamente profunda. Muestra su poder de la manera más sencilla y honesta posible, sin casi elementos externos a los que recurrir y buscando la autonomía, la libertad, el placer, la inteligencia, la belleza, la ironía, la agudeza, la frescura y la profundidad. El intérprete tiene todo el peso del espectáculo, se muestra al desnudo, lleno de veracidad y riesgo. 

- El espectáculo
Situarse en un espacio-tiempo abstractos que produzca misterio, intimidad y una hospitalidad invisible. Aquello de lo que se está hablando está por debajo de lo que se está mostrando. Esta pieza aparentemente tan sencilla está construida por múltiples capas y pequeños detalles que ponen de manifiesto la infinidad de imágenes que produce el cuerpo, el orden coreográfico, la proximidad con el público y la sutileza del intérprete. Formalmente la pieza es una coreografía con ocho pautas de movimiento abstracto dentro de una secuencia que se repite seis veces y varía dependiendo de la repetición, la acumulación, la adaptación y el desajuste. El humor es fundamental, aunque es tan sutil que pasa desapercibido. El espectáculo está lleno de tonterías que se ejecutan con seriedad, nada es demasiado solemne, creativo, artificial, bello, original, divertido o afectado. La pieza busca suscitar la empatía entre el espectador y el intérprete con muy pocos elementos.

- El público
La puesta en escena sitúa a los espectadores y al intérprete en un mismo plano, se ven unos a otros, sin que ello se convierta en una anécdota, experiencia, acción o ejercicio performativo. Aunque se prescinde del espacio que normalmente separa la escena del público y de los recursos que acompañan el acto escénico, lo que vemos sigue siendo un espectáculo.
La pieza está interpretada en 360º, de tal modo que ofrece a cada uno de los espectadores ángulos, perspectivas y puntos de vista individualizados. Atención a la multiplicación de frentes, tantos espectadores, tantos frentes posibles. El público forma parte de la propuesta pero no es un espectáculo participativo, aunque el intérprete y el público estén muy cerca.  La iluminación es la del lugar, el público y el intérprete están iluminados por igual. El espacio escénico es de 9X5 delimitado por un rectángulo de 25/35 sillas para los espectadores. 

Necesidades técnicas. El espacio para la pieza y el público
El público se sienta en un rectángulo de sillas que dibuja y delimita el espacio escénico 9X5 (min).
Hay entre 25 (min) y 35 (máx) espectadores.
La compañía necesita un soporte de audio profesional que manipula el intérprete.
Los monitores de audio están en el suelo y la mesa de sonido está conectada al ordenador de la compañía.
No hay un soporte técnico al uso. La iluminación es la del lugar, no hay luz adicional, ni un suelo especial tipo linóleum.
Es importante tener en cuenta que si la iluminación del espacio es muy interesante durante el día, adecuar el horario de representación para aprovechar la luz natural.
La compañía viaja sin técnico.
El montaje y desmontaje son sencillos, se precisa un técnico de sonido y un maquinista o regidor. 

BIOS DE LOS INVITADOS

IDURRE AZKUE (Zarautz,1976)
En 1992 se traslada a Barcelona a estudiar danza contemporánea en el Institut del Teatre. Comienza a bailar profesionalmante en la compañía Danat Danza y posteriormente entra a formar parte del colectivo General Eléctrica donde sigue desarrollando su trabajo como bailarina e intérprete en diversos espectáculos de danza que buscan nuevos lenguajes y formas de relación con el espectador. Continúa colaborando con la Societat Doctor Alonso, dirigido por Tomás Aragay y Sofía Asencio y entre otros, trabaja con Rodrigo García de La Carnicería teatro en el espectáculo “Jardinería Humana”, y más recientemente con Xavier Le Roy en “Retrospectiva” en la Fundació Antoni Tàpies. Crea dos solos bajo la dirección de Andrés Waksman, “Gora bihotzak” y “Hasta el final” y sus propias piezas “I love natura” , “Una altra història d’amor” en colaboración con el artista Teo Baró y “Domingo Fantasma”. Paralelamente se forma en terapia Gestalt y psicoterapia integrativa.  Practica el Movimiento Auténtico con Andrés Waksman y Betina Weissman. En el 2012 se traslada de vuelta al País vasco y continúa trabajando como bailarina en “El paseo” de Idoia Zabaleta, “El cielo ahora” de Olatz de Andrés, “En esta parte esquinada de la península” dirigida por Claudia Dias, pequeña intervención en “Très bien éclaire” de Arantxa Martínez. Recibe una subvención del Gobierno vasco para su próxima creación “Bailar por bailar” en colaboración con el músico Joseba Irazoki dentro del programa Dantzan Bilaka.”

JAVIER CUEVAS(Murcia, 1973)
Creador, dramaturgista, actuante y generador de contextos de cuidado para las artes escénicas contemporáneas. Psicólogo y terapeuta familiar sistémico. En lo musical pasa por formaciones como Super8, Sopassoup y Caro Ceice. Trabaja como actor, compositor y músico en montajes teatrales (Cía. Ferroviaria) y con artistas como Kristoffer Ardeña (Bienal Manifesta8). En 2007 inicia la coordinación general de Centro Párraga de Murcia. En 2010 comienza su residencia en Tenerife alternando proyectos de comisariado y mediación cultural con la dirección del Laboratorio de Artes en Vivo del Teatro Leal de La Laguna (Leal.Lav). En 2011 presenta El no actor dentro del I Festival Espacios Abiertos de Libre Creación de Tenerife. En 2012 estrena junto a la bailarina y performer Acerina Amador Gracias (1″) Límites (coproducido por el Auditorio de Tenerife Adán Martín). En 2013 estrena Hamlet Post Scriptum de Roberto García de Mesa dentro del Festival Encuentros (Teatro Victoria), PremioEscena Miriñaque Santander. Actualmente gira con El amor es un perro que viene del infierno (coproducido por Teatro Guimerá S/C Tenerife), presentó la conferencia bailada Programar es follar  (II Encuentros sobre cuerpo y performatividad comisariados por Masu Fajardo) y ha comenzado colaboraciones con la Societat Doctor Alonso en el proyecto El desenterrador.

AMALIA FERNÁNDEZ (Granada,1970)
Bailarina- performer, miembro fundadora de la Cia. “El Bailadero, Monica Valenciano” en la que trabaja como intérprete y ayudante de dirección en 6 espectáculos, entre 1994 y 2005.
A continuación continúa su trayectoria profesional de forma independiente, con las piezas: “Matrioshka” 2005, “Maya” 2006, “Sichimi Togarashi” con Juan Domínguez, 2007 y “Las Perras” en colaboración con Lidia G. Zoilo y Vicente Arlandis, 2008, “Kratimosha” con Catherine Sardella en 2009 y “En Construcción” en 2010. Colabora puntualmente como intérprete en trabajos de otros artistas: Odd Enginears, Gary Stevens, Karin Elmore, Cuqui Jerez etc. En este momento trabaja en su nuevo proyecto “mujer40md” y es artista residente del teatro Pradillo de Madrid.
Se dedica a la docencia desde1996 y actualmente es tutora en el Master de Artes Escénicas y Cultura Visual de la UAH.
Es miembro del colectivo de artistas “El Club”.